舞曲

在原始社會中，舞蹈與音樂、詩歌是結為一體的，由於物質生產條件和藝術水平的低下，音樂十分簡單（多為原始的歌唱或打擊樂器的敲打）。在西方，舞蹈於古希臘首先發展成為一門獨立的藝術。中世紀早期，由於教會的激烈反對，舞蹈的發展受到很大的阻力。1300年左右，在音樂理論家若阿內斯·德格羅謝奧所撰寫的論文中，始有關於斯丹蒂佩斯（一種吟唱詩人所唱的舞蹈歌曲）和杜克梯亞（一種只奏不唱的舞蹈樂曲）的記載。在13世紀後期的經文歌中，又有舞曲旋律出現在男高音聲部中的情況。

西方的舞蹈音樂於15世紀進入它的第1個繁榮期，這是由於15世紀時的歐洲宮廷熱衷於此的緣故。到16世紀，在琉特和鍵盤合奏音樂中，出現了 包括前舞、后舞兩首速度不同的所組成的成對舞曲（如義大利的帕薩梅佐-薩爾塔雷洛、英國的帕凡-加亞爾德等）。與此同時，德國的阿勒芒德、法國的庫朗特、西班牙的薩拉班德和義大利或英國的吉格開始躍升為重要的舞曲體裁，並在17世紀中葉由前、后舞的對比原則，發展成為由4首舞曲組合而成的“古典組曲”。這一時期，一批來自法國民間的舞曲（佈雷、帕斯皮耶、里戈東等），在法國宮廷里得到了藝術加工。其中最重要的為小步舞曲。18 世紀是小步舞曲流行的時代，也是蘇格蘭舞曲、連德勒舞曲等在維也納得到重要發展的時代。19世紀盛極一時、雄踞社交舞曲主導地位的圓舞曲，就是從連德勒舞曲發展演變而來的。19世紀30～50 年代，馬祖卡、波爾卡、加洛普、波洛奈茲等舞曲在歐洲得到廣泛流傳。民族樂派興起后，又有許多民族舞曲體裁被作曲家們所發掘和重視。其中，西班牙的塞吉迪亞、霍塔、凡丹戈等為人們所普遍矚目，並被專業音樂家所運用。進入20世紀后，拉丁美洲和美國的不少民族舞曲和社交舞曲（探戈、倫巴、桑巴、康加、狐步舞曲、一步舞曲、查爾斯頓等）又在世界許多國家風行。

古典舞曲

流行於16、17世紀的舞曲，到了17、18世紀時，因舞蹈不再流行而成為純器樂曲。最常見的有：

阿勒芒德 allemande[法]

意為“日耳曼的”。起源於德國。速度適中地緩慢。中速，多為4/4拍，弱起於一短時值音符。旋律流暢而多裝飾，採取平均的節奏，織體傾向於主調化。常用作古典組曲的第1樂章，近似前奏曲。

庫朗特 courante[法] corrente,coranto[意]

有法國式和義大利式兩種：法國式庫朗特的速度適中地快，3拍子，常從第3拍的弱部開始，含有一長一短的附點節奏，在每 1段落的結尾中，常把3/2拍子和6/4拍子結合在一起，有時甚至6/7拍子在全曲中佔優勢，織體比較復調化；義大利式庫朗特速度較快，3拍子（3/8或3/4），旋律流動，有如奔跑（“庫朗特”有“跑”的意思）。兩種庫朗特都常用作古典組曲的第2樂章。

薩拉班德sarabande[法]

16世紀初由東方傳入西班牙，原是一種有色情動作的舞蹈。16世紀末傳入法國后逐漸變得莊重緩慢。3拍子，第2拍常為長音符。旋律富於裝飾，用主調織體寫成。常用於古典組曲的第 3樂章。17、18世紀的聲樂曲亦常採用薩拉班德的體裁，G.F.亨德爾的歌劇《里納爾多》中的《讓我痛哭吧》就是著名的曲例。

吉格gigue[法]

起源於義大利，一說起源於英國。速度很快。3/8、6/8或12/8拍子。富有歡快活躍的情趣。常用模仿復調的織體，類似賦格。第2段多採取倒影（反行）賦格的寫法。常用於古典組曲的末樂章。

帕凡和加亞爾德 一譯孔雀舞和快活舞。兩者都起源於義大利，16世紀流行於英國。帕凡是莊嚴緩慢的2拍子舞曲，加亞爾德是活潑快速的 3拍子舞曲。加亞爾德是繼帕凡而起的后舞曲，兩者在速度上、節拍上和性格上形成鮮明的對比。17世紀中葉以後，作為舞蹈音樂漸不流行，而成為純器樂曲。

帕薩梅佐和薩爾塔雷洛 一對義大利古老舞曲，帕薩梅佐是近似帕凡的 2拍子舞曲，較帕凡稍快。薩爾塔雷洛是帕薩梅佐的后舞，用同一主題而處理成快速的3拍子。另有一種3/8或6/8拍子的薩爾塔雷洛，是一種活潑的、有跳躍動作的舞蹈，近似塔蘭泰拉。

塔蘭泰拉 tarantella[意]

義大利那不勒斯的古老舞曲。義大利的塔蘭托港有一種蜘蛛，名叫塔蘭圖拉，相傳人被這種蜘蛛咬了要生熱病，患者須跳狂熱的舞蹈才能痊癒，舞曲由此得名。塔蘭泰拉為3/8或6/8拍子，速度很快，採用連續不斷的平均快速節奏，有如無窮動。

西奇利亞諾一譯西西里舞曲。大約起源於義大利西西里島的一種古老舞曲，6/8或12/8拍子，速度徐緩，近似田園曲。18世紀作曲家常用作組曲和奏鳴曲的慢樂章。

小步舞曲 menuet[法]

原為法國民間的 3拍子舞曲，因舞步極小而得名。17世紀後半葉為路易十四的宮廷作曲家J.-B.呂利所採用，因而傳入宮廷，成為速度從容，風格典雅的宮廷舞曲。在17、18世紀的組曲中，小步舞、加沃特、佈雷、帕斯皮耶、盧爾等舞曲，是插入薩拉班德和吉格之間的不固定樂章。這些舞曲的中間部分常由 3件木管樂器演奏（如J.S.巴赫《第一樂隊組曲》中的布雷舞曲），故稱“三聲中段”。18世紀後半葉在海頓等人的創作中，將其用於奏鳴曲、交響曲等套曲的第三樂章，但風格已帶有幽默感，后貝多芬以諧謔曲所取代。

加沃特 gavotte[法]

原為法國民間舞曲，17世紀開始流行於宮廷和貴族社會。中速，2/4拍，往往以弱起小節開始。復三部曲式結構。中間部分是“風袋管舞曲”，常出現模仿風袋管低音的持續音，形成前後對比。旋律流暢悅耳，音樂形象輕快、嬌媚、典雅。

布雷：起源於法國的雙拍子舞曲，與加沃特相似，但從第4個四分音符（不是第2個二分音符）開始。

帕斯皮耶：流行於法國布列塔尼半島的舞曲，速度較快，3/8或3/4拍子，起於弱拍。

盧爾：用風袋管伴奏的法國鄉村舞曲（盧爾原是17世紀前一種風袋管的名稱）。中速，2/4或6/4拍子，第1拍加重。

里戈東：法國普羅旺斯地區的古老舞曲，17世紀傳入宮廷。速度較快，2/4或4/4拍子，起於弱拍。

波洛奈茲 polonaise[法]

一譯波蘭舞曲。原為波蘭民間的行列舞曲，16世紀末傳入宮廷。相傳法國安茹王朝的亨利三世於1573年即位為波蘭王，在慶典行列進行時演奏了波洛奈茲。17、18世紀成為獨立的器樂曲，偶用於組曲中。F.F.肖邦用此體裁作有鋼琴曲16首，以寄託其愛國思想。波洛奈茲的特點為：3/7拍子，起於強拍，樂句常結束於第3拍，大都莊嚴徐緩，或用中等速度；但肖邦的波洛奈茲速度較快，富於熱情。

福爾拉納 情趣歡快的義大利古老舞曲。6/7或6/8拍子。18世紀偶用於組曲中，近似吉格。

恰空chaconne[法]

16世紀原為西班牙的古典舞曲，情緒奔放激烈。17世紀起傳至歐洲各地，演變成3/4拍，速度徐緩的器樂曲。其主題常為八小節連續和弦的低音，在不斷反覆的低音主題上進行各種變奏。

帕薩卡利亞 passacaglia[意]

義大利舞曲。滿速，3/4拍。結構與恰空相仿，速度較慢，常以小調寫成，通常採用固定低音，低音主題有時移動到高聲部。

福利亞起源於葡萄牙的 3拍子舞蹈歌曲。結構近似恰空和薩拉班德。流傳於14世紀。17世紀後半葉在法國被用於芭蕾場面中。18世紀流傳更廣，常被寫成炫技性的哈普西科德、吉他或小提琴曲。有一個福里亞曲調，從16世紀初到20世紀，曾被許多作曲家用作主題，寫成各種作品（大多為變奏曲）。其中最著名的是A.科雷利的《第十二小提琴奏鳴曲》和С.В.拉赫瑪尼諾夫的《科雷利主題變奏曲》。F.李斯特的《西班牙狂想曲》也採用了這個曲調。

民族舞曲 各民族、各地區具有民族和地方特色的民間舞曲，如今還用作舞蹈音樂，同時也可用作獨立器樂曲。其中有近代舞曲，也有一些是比較古老的舞曲。如：

凡丹戈：流行於西班牙民間的3拍子或6拍子的歡快舞曲。常常載歌載舞，用吉他和響板伴奏。18世紀末，C.W.格魯克、W.A.莫扎特等曾將其用於歌劇和芭蕾作品中。

塞吉迪亞：西班牙安達盧西亞地區的古老舞曲，至今還很流行。3拍子，近似博萊羅，但速度更快。常常載歌載舞，用吉他和響板伴奏，響板打著的節奏。

博萊羅：起源於民間的西班牙 3拍子舞曲。舞者打著響板，扭動手臂，成對地載歌載舞。響板不斷打出的節奏。M.拉韋爾按此體裁寫成的管弦樂曲極為有名。

哈巴涅拉habanera[西]

一譯阿瓦內拉。由非洲黑人傳入古巴，並由古巴傳入西班牙的中速，2拍子舞曲。其典型節奏與探戈相同。

霍塔 西班牙民間舞曲。流傳於阿拉貢、加泰羅尼亞、巴倫西亞等地。快速，□或□拍子，節奏生動，情緒活躍。多由人聲演唱並伴以吉他、曼多林、響板等樂器。

馬拉加尼亞 一譯馬拉加舞曲。西班牙安達盧西亞民間雙人舞曲。快速，□或□拍子。

桑巴巴西民間的一種 2拍子舞曲，以富於切分節奏為其特色。有兩種類型：鄉村型的桑巴急速強烈，與巴圖克相似；城市型的桑巴，由瑪希謝演變而來，速度中庸而較少強烈的切分音。桑巴是里約熱內盧狂歡節中最富有特色的音樂舞蹈之一，並作為社交舞蹈而流傳全球。

康加：古巴民間舞曲。起源於非洲。在拉丁美洲許多國家均流行。的節奏型貫串全曲。

法朗多爾：法國普羅旺斯地區的民間舞曲。6 拍子，活潑歡快。舞者列成長隊，手挽著手或拉著手帕，魚貫而舞。

連德勒：奧地利和德國的民間舞曲，因起源於連德爾（奧地利埃姆斯河北地區）而得名。3拍子，速度慢於圓舞曲，為圓舞曲的前身。舞蹈時1步1拍，舞步均勻而嫻靜。

波爾卡polka[捷]

19世紀30年代創始於波希米亞（今捷克西部）的一種圓舞，19世紀中葉風行全歐洲。大致分為急速、徐緩和馬祖卡節奏三種類型，2/4拍，三部曲式。斯美塔那最先用之於歌劇和器樂創作中，如《被出賣的新娘》中的波爾卡。

富利安特：波希米亞的民間對舞。源出於拉丁文furia（意為狂熱）。節奏活躍奔放，常常交替運用 3拍子和2拍子。

索塞茨卡：波希米亞的民間圓舞。速度較慢，節奏流暢，近似連德勒。常用於富利安特之後。

、恰爾達什匈牙利民間舞曲。包含慢而憂鬱的“拉舒”和快而熱烈的“弗里斯”兩部分，前者2/4或8/4拍子，後者2/4拍子。李斯特是在作品中採用這一體裁的第 1個匈牙利作曲家。他的《第二匈牙利狂想曲》就是按照恰爾達什的格調寫成的。

馬祖爾mazur[波蘭] mazurka[法]

起源於波蘭馬索維亞地區的民間舞曲。3拍子，常用的節奏。熱情、活潑而有騎士風度。用此體裁寫成的作品稱“馬祖列克”。肖邦曾將此體裁加以發展，作有大量馬祖卡舞曲，其中《C大調馬祖卡》（Op.56 No.2）常被稱為“馬祖卡中的馬祖卡”。現馬祖卡已成為馬祖爾和馬祖列克的通稱。

庫亞維亞克和奧別列克 近似馬祖爾的波蘭民間舞曲，兩者都比馬祖爾輕快活躍。庫亞維亞克的旋律比較流暢。奧別列克每兩小節的第3拍有1個重音。肖邦在馬祖卡中，把這兩種舞曲和馬祖爾融合在一起。

克拉科維亞克 波蘭民間舞曲，因起源於克拉科夫而得名。2拍子。情緒活潑，多切分音，典型的節奏是科洛南斯拉夫民間舞曲。其舞蹈為集體的群舞，與俄羅斯的輪舞相似，在波蘭、烏克蘭亦很常見。保加利亞的霍羅、羅馬尼亞的霍拉與科羅均相類似。此種舞曲多由民間樂器演奏，也有不用樂器而由人聲演唱者。科羅有多種類型，其主要區別在於速度的快慢不同。

霍羅：保加利亞民間輪舞。為2/4、5/16、7/16、9/16或11/16拍子，快速或中等速度，用風袋管等民間樂器演奏。霍拉 羅馬尼亞和蘇聯摩爾達維亞的一種民間輪舞。為□或□拍子，通常速度徐緩，格調平穩。常用小提琴、風袋管、橫笛等樂器組成的民間小樂隊演奏。

哈靈：挪威民間舞曲。因來源於挪威南部地區哈靈河谷而得名。此種舞曲亦流傳於瑞典。特點為：2/4或6/8拍子，用挪威民間的一種弓弦樂器演奏。E.格里格在創作中曾採用過此種體裁。

特列帕克：俄羅斯民間舞曲，2拍子，情緒歡快奔放，時時發出蹬足聲。

戈帕克：烏克蘭2拍子民間舞曲。源出烏克蘭語rо

пати（跳躍）：因舞蹈動作有大步的跳躍。M.П.穆索爾斯基的歌劇《索羅欽斯克集市》第 3幕中的戈帕克是著名的曲例。

社交舞曲：社交舞蹈（又稱交際舞或交誼舞）的音樂，由民間舞曲演變而成。用於交誼舞會，也可以寫成獨立的器樂曲。社交舞曲因時代而變遷，重要的社交舞曲有：

對舞曲：因舞者面面相對而得名。起源於英國，流傳於法國和德國。2/4或6/8拍子，情緒歡快活潑，蘇格蘭舞曲是對舞曲的一種。從19世紀初開始，逐漸讓位於方陣舞曲和圓舞曲。

方陣舞曲：起源於法國，盛行於拿破崙帝國時期的交際舞曲。因舞者4人1組，兩人相對，構成方陣而得名。1816年後，先後傳入英國和德國。分 5段，交替著6/8和2/4拍子，分別稱為長褲舞、夏舞、母雞舞、特蘭尼斯舞、牧羊女舞。在流傳過程中，加洛普（始於19世紀20年代的一種有跳躍動作的 2拍子快速圓舞）也被吸收到方陣舞中來，成為它的一部分。

圓舞曲 waltz[英]

一譯華爾茲。18世紀末由連德勒演變而成。19世紀的圓舞發展成兩種主要類型：①維也納圓舞，又稱快圓舞或滑圓舞，舞者按每小節3步或2步的節奏旋轉滑行，並左右轉動著頭和身體。②法國圓舞，由3/8（或3/4）拍子的慢圓舞、6/8拍子的跳圓舞和快圓舞組成，速度依次逐漸加快，后兩種圓舞有跳躍的動作。現代舞會中的圓舞，是一種中等速度的維也納圓舞。圓舞曲的旋律平滑流暢，嫵媚動人。和聲的特點是每小節 1個和弦，由強拍的低音和其餘兩拍的“和弦塊”交替著。J.施特勞斯父子和J.蘭納是維也納圓舞曲最著名的作曲家。他們所作的圓舞曲多由數首短小圓舞曲連綴構成，形成一種套曲式的結構，稱圓舞曲套曲。肖邦、R.舒曼、J.勃拉姆斯、李斯特的圓舞曲，是這一體裁的藝術珍品，但不以伴奏舞蹈為目的。

狐步舞曲：黑人木屐舞曲的一種。1912年始於美國，不久傳遍世界各國，成為最流行的交際舞曲。狐步舞最初由長舞步和短舞步交替而成，4拍子或2拍子。不久發展成一種包含錯綜複雜、變幻不定的舞步的舞蹈，後來又加進了查爾斯頓的痙攣性動作，並分裂為快狐步和慢狐步兩種。

一步舞曲：20世紀初產生於美國北部的一種社交舞曲。20年代起流傳全歐。快速，2/4拍子。後為速度較慢的2步舞曲（即慢狐步舞曲）所取代。

查爾斯頓：1920年左右產生於美國的一種社交舞曲。其名稱可能與美國南加利福尼亞州的查爾斯頓城有關。特點為：4/4節拍（有時為2/2），富於切分節奏。30年代末流傳整個歐美，以後逐漸衰微，其部分因素為快速的狐步舞曲所吸收。

探戈舞曲 tango[西]

起源於非洲西部，19世紀後期成為阿根廷首都布宜諾斯艾利斯近郊社會下層的舞蹈，20世紀普及與當地一般社會及其他拉美國家。中速，2/4拍，旋律與伴奏形成交錯節奏，與哈巴涅拉相似，以切分節奏為特色。1920年傳入歐洲，作曲家根據歐洲人的審美情趣所寫的探戈習稱“大陸談歌（continental tango）”。後作為一種雙人交際舞風靡世界。

倫巴舞曲、古巴舞曲。20世紀30年代起流行於美和歐洲各國。2拍子，包含複雜的切分音，不斷反覆著4小節的節奏型。

trip-hop

trip-hop是英倫/歐洲跳舞音樂的一種，它的名字來源是“ trip+ hip hop"= trip-hop"，因為它發源自英國的bristol，因此最早時稱作"bristolhip-hop".。由於把把hip-hop（其實很多音樂都是架構在hip-hop上的...不知啥是hip-hop的去看看跳街舞的人，他們多半是用hip-hop音樂來跳的.）節奏變慢（有時很慢很慢），加入一些迷幻的味道，如很陰沉，肥厚的bass，輕微但迷幻的合成音效，或是些唱片的取樣，有時可能連唱片的雜音都會被"故意"取樣進去。所謂“ trip"，指迷幻，氤氳的藥物「旅程」，所以， trip-hop是種慢板的迷幻的、有 jazz感覺的、迷糊的、帶點 hip hop節奏的 break beat音樂。它雖然隸屬跳舞音樂類，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音樂所有的明確節拍特色相去很遠。

外國 trip-hop代表人物：trip-hop中公認的鐵三角：portishead,tricky,massive attack. mandalay moloko coldcut

world music

world music是西方角度觀點的辭彙，意思指非英、美及西方民歌 /流行曲的音樂，通常指發展中地區或落後地區的傳統音樂，例如非洲及南亞洲地區的音樂，有些地區如拉丁美洲的音樂，則能普及到自成一種類型。今天大家說的 world music通常是指與西方音樂混和了風格的、改良了的傳統地區音樂。非洲的 king sunny ade，東歐的don byron，中國的朱哲琴，巴基斯坦的 nusrat fatehali kahn等是西方樂迷較熟悉的 world music樂手。

new age是種寧靜、安逸、閑息的音樂，純音樂作品占的比重較多，有歌唱的占較少。new age可以是純 acoustic（即以傳統自發聲樂器演奏）的，也可以是很電子化的，重點是營造出大自然平靜的氣氛或宇宙浩瀚的感覺，洗滌聽者的心靈，令人心平氣和。new age很多時與音樂治療有關，不少new age音樂說可以治病，也有不少與打坐冥想有關，這與 new age思潮哲學有莫大關係。new age音樂通常被目為頗為中產階級的音樂， windham hill是最具代表性的 new age唱片公司。new age代表樂手有 enya， george winston， william ackerman， yanni， kitaro等等。

dream-pop

dream-pop是種“夢”般的流行曲，它有一種迷離的氣氛，多*synthesizers（電子合成器）造成，加了echo效果的電結他也是重要的成分，歌唱部分往往很 'breathy'即呼吸聲重，歌詞也往往有夢般的詩意色彩。代表樂隊有 cocteau twins， lisa germano， st.etienne， this mortal coil， my bloody valentine， mazzy star和 dead can dance等。

classical pop

classical pop是指帶古典響樂味道的流行曲，多用弦樂伴奏的歌曲都可列入此類，例如 the beatles的 "eleanorrigby"就是。澳洲樂隊 crowded house的一些作品也可列入此類。如果說 classical pop，則是指經典的流行曲。

acappella

acappella是指沒有樂器伴奏的歌曲，但凡純以人聲唱的歌都是 acappella，不過今天我們說 acappella通常是指有多重和唱的那種唱法，連樂器伴奏都由人聲唱出。acappella的相反是 umental，即純音樂樂曲，任何類型的歌曲都可以以 acappella形式唱出。香港人最熟悉的 acappella歌曲是 "so much in love"，香港 acappella樂隊有姬聲雅士等。

在“謎”新專輯中傳達了了許多自然的、哲學的觀念。這個觀念的主題就是“為什麼”。《冥界之外》是“謎”一首經典的單曲。通過克里圖的聲音鋪墊首一種不可抵擋的聖歌迭句和有力的旋律。

bossa nova是種帶 jazz味道的巴西音樂， 1950年代作曲家antonio carlos jobim將巴西音樂節奏與美國西岸cool jazz混合而成，柔和、舒服、輕鬆、懶洋洋、浪漫乃特色。每兩個 bar的第 1,4,7,11,14拍為重拍。歌手 joao gilberto的純厚歌聲是 jobim音樂的出色拍檔， 50年代中期傳入美國后大受歡迎，其它著名 bossa nova樂手有 charlie byrd,stan getz和 astrud gilberto等，最著名的歌曲為 "the girlfrom ipanema"。ossa nova於 60年代最流行，其餘年代亦不斷有捧場者。

post rock

post-rock是九十年代中期冒起的一種實驗性、前衛搖滾樂，多帶催眠感覺，風格取自ambient、free-form jazz、avant garde及電子音樂。代表樂隊有tortoise，他們視他們的音樂不是歌，而是不斷改變、晚晚新鮮的作品，大部分post-rock樂隊都反主流音樂，也反indie-rock，不過也有些比較pop，如stereolab等。

post-rock 樂隊例子還有cul de sac、ui、flying saucer attack、the high llamas、mogwai、trans am等。

britpop

britpop雖有個“ pop"字，但其實是 rock的一種，源於九十年代英倫，中文可譯為“英式搖滾”，這是英倫樂壇對美國 grunge潮的一個回應，主要是以樂隊形式出現。不過， britpop風格其實十分廣泛，如 oasis是吉他搖滾樂隊， blur則pop很多，而pulp則接近glam rook及跳舞風格，不過他們都被列作 britpop。

英國 britpop代表人物：oasis blur suede pulp radiohead

dub

dub可說是將歌聲抽離只剩下音樂的reggae(瑞格，也有稱之為雷鬼，一種很有節拍性，唱腔特別的南美黑人音樂）。而將dub運用在電子樂上，則是將部份歌聲抽離，將bass和鼓聲加重，並且加入大量的echo（迴音）等效果。這種技術常在現場表演時，將歌曲重新混音(remix）呈現。像massive attack 的專輯protection便由mad professor從trip-hop音樂混音成了dub版本。

electro

早在70年代末，80年代初，那時還沒有house,techno...這類玩意兒，電子音樂也較不盛行，只有electro這類電子音樂而已. electro可說是純粹以電子合成器（synthesizer，長得有點像keyboard）來發聲的音樂，通常蠻輕柔的，且常使用roland公司的鼓機（drum machine)tr-808來發鼓聲。德國的kraftwerk樂團可算是代表。如今的electro音色比以前明亮，透明許多。後來一些dj利用electro變形成了一種hip-hop樂，被稱作old school。如今fatboy slim（流線胖小子）也融合了一些electro和old school在音樂中。

jungle

jungle就是drum'n'bass的前身。jungle的速度比drum'n'bass快很多，而且節拍更為 複雜，比較強悍，有時會搭配一些rap，不像drum'n'bass會融合一些jazz,soul等元素，聽起來比較柔，連"搖滾變色龍" david bowie都搞起jungle了。

drum'n'bass

對某些人來說，drum'n'bass的音樂可能很煩，因為drum'n'bass很注重在節奏上玩花樣，還有bass的表現，像是很快很快，複雜的碎拍，以及運用各種不同的電子鼓，或是取樣而來的鼓聲。因此drum'n'bass也是breakbeat的一種，4hero為drum'n'bass的知名樂團

big-beat

"大節拍",把brit-hop變得更快，節奏更重，更有搖滾的味道，可說是將brit-hop改良后，更成熟的一種曲風，你可以想像一下又重又碎，又有點快的節拍是什麼樣子。如the prodigy,the chemical brothers,fat boy slim即是big beat的"大角。

brit-hop

把黑人hip-hop的節奏加快鼓聲加重，配合些許電吉他,bass，有搖滾樂的味道，如the chemical brothers的曲風即是。

break beat

不像house的拍子boom-boom-boom-boom那麼規律，而是以破碎的節拍呈現，像是切分拍。如在兩拍中加入小碎鼓，等等，breakbeat只是一 個總稱而已，有很多種音樂都屬breakbeat，如以下的brit-hop,big-beat，和黑人的hip-hop便是一種。

psychedelic trance

又名goa trance，發源於印度的一個小島上。goa即為這小島的名字，旋律常帶有印度風味，這類trance的特徵，就是很重視旋律，音符之間的細微變化，且常有重疊的旋律，和高亢的tb-303聲音出現，有點ambient的味道。

trance

迷幻舞曲，由techno演變而來，聽了會讓你有"出神"的感覺，但還是保有舞曲的律動，很注重bass的表現，某些聽了會有"催眠"的效果，拍子也是以4/4拍為主。

ambient

聽起來起伏不大，但其實一直在做改變，像是長時間的音效，或是漸進式的音樂編排等等，常會營造出有層次的空間感，所以被稱為"情境音樂",且常對於生活周遭的聲音做取樣，如人聲，汽車聲，甚至是其他音樂的旋律...等等。為70年代的brian eno所創，是一種很"高深"的電子音樂。後來ambient也有分支，如ambient house,ambient techno...等等，相信大家從字面上就能了解，其實在很多種音樂中都會有ambient的影子，甚至某些古典樂中 也有ambient的味道。

techno

technology，即表示"高科技舞曲"啦！利用電腦，合成器合成，做出一些特殊音效，這種音樂常常是許多音效組合起來的. techno的節拍也是4/4拍，但速度較house快，且聽起來具重複性，較強硬，較機械化，所以某些人稱techno為"工業噪音",但某些還是會注重旋律的. techno起源於美國底特律，有三名dj: derrick may,kevin saunderson juan atkins嘗試將電子樂與黑人音樂結合，而產生了detroit techno. detroit techno通常較平緩，不像一般的techno那樣強勁，可說是現代techno的起源。

electrophonic music

何謂electrophonic music（電子音樂）?隨著時代的演進，音樂家有了更多製作音樂的方法。所謂電子音樂，就是以電子合成器，音樂軟體，電腦等所產生的電子聲響來製作音樂。電子音樂範圍廣泛，生活周遭常常能聽到，在電影配樂，廣告配樂，甚至某些國語流行歌中都有用到，不過以電子舞曲為最。很多人認為電子樂是一種冷冰冰，沒有感情的音樂。其實電子樂也可融入rock,jazz甚至blues等多種元素而充滿情感的。

電子音樂的類型也是多種多樣的，包括house 、techno、ambient、trance、psychedelic trance、 breakbeat、 brit-hop、 big-beat、 trip-hop、drum'n'bass、 jungle、electro、dub、chill out、 minimalism。

folk（民歌）

民歌（folk）原本是指每個民族的傳統歌曲，每個民族的先民都有他們自原始 /古代已有的歌曲，這些歌絕大部分都不知道誰是作者，而以口頭傳播，一傳十十傳百，一代傳一代的傳下去至今。不過今天我們所說的民歌 (folk），大都是指流行曲年代的民歌 (folk），所指的是主要以木結他為伴奏樂器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家純樸生活感受的那種歌曲。美國民歌手 woody guthrie在五十年代的唱片可說是最早的民歌唱片錄音，所以普遍被認定是現代民歌 (folk）的祖師。之後 pete seeger、 the weavers繼續推動這類音樂，六十年代越戰，反戰民歌手如 bob dylan,joan baez,peter,paul and mary等成為時代的呼聲。後民歌向 pop,rock及都市化發展， bob dylan發明了 folkrock,simon & garfunkel發展出中產口味的都市 folk pop，風行一時。八十年代 suzanne vega,tracychapman等 +走出一種更富都市感覺的 urban folk（城市） / contemporary（當 代） folk路線。民歌 (folk）在英國、香港等樂壇也發展出不同的面貌。民歌 (folk較新的發展是與 new age結合（如 enya），及與 trip hop結合（如 beth orton）。

chamber pop

chamber pop是指典雅、高貴、精緻的一種流行樂，它有一定的古典音樂感覺。chamber music一詞來自古典音樂，中文叫"室內樂"，是種小組弦樂演奏曲式，氣氛高雅。chamber pop於九十年代興起，是對當時的 lo-fi及 grunge的一種反應，強調優美的旋律、精緻的配樂、乾凈的錄音，每每多用弦樂、管樂製造巴洛克時代的音樂感覺。

外國代表樂隊有 the divine comedy， rialto， eric matthews及 balle & sebastian等.

synth pop

synth pop中的 " synth"，即 synthesizer，顧名思義， synth pop就是“由 sythesizrs炮製出來的流行樂”，當然除 synthesizers外還會用上其他電子樂器如電腦及鼓機等等。synth pop於八十年代初期開始流行，至八十年代中開始沉寂，當年在香港也曾掀起過一陣熱潮。synth pop的特點是科技感強，有時會頗冰冷，歌曲多是“三分鐘流行曲” (3-minutes pop），很多時 synth pop樂手會作入時打扮。

synth pop代表組合：depeche mode、 human league、 duran duran、 omd、 gary numan

orchestra

orchestra就是管弦樂團，它分成四部分：1弦樂，包括小提琴、大提琴等， 2銅管樂 3木管樂和 4敲擊樂四組。弦樂組每種樂器有多人演奏（豎琴除外），四組演奏者由一人統籌兼領導，他就是樂團的指揮。orchestra於17世紀出現，到 18世紀因海頓和莫扎特的作品而清楚地建立模式。19世紀加入了些新樂器，樂團人數加大。orchestra是西方古典 /正統音樂的正宗。西方流行 /搖滾樂也經常運用 orchestra的部分或全部團員協助演出。

gangsta rap

gangsta rap是 rap的一種，以 rap的內容多與都市罪案有關，充滿暴力、色慾感受，這是反映現實的一種音樂路向。gangsta rap於八十年代末期在美國興起，音樂rap中的強悍尖銳派，在美國大受歡迎，唱片銷路甚高。而不少 gangsta rap樂手本身真正“參與”現實中各式罪案，部分更因而入獄甚至死亡，可說是真正反映現實兼令人觸目驚心的樂種。

gangsta rap化表組合：ice-t、 ice cube、 dr. dre、 snoop doggy dogg、 2 pac、 geto boys .

house

house是於八十年代沿自 disco發展出來的跳舞音樂。這是芝加哥的dj玩出的音樂，他們將德國電子樂團kraftwerk的一張唱片和電子鼓（drum machine）規律的節奏 及黑人藍調歌聲混音在一起，house就產生啦~一般翻譯為"浩室"舞曲，為電子舞曲最基本的型式，4/4拍的節奏，一拍一個鼓聲，配上簡單的旋律，常有高亢的女聲歌唱. disco流行后，一些dj將它改變，有心將disco變得較為不商業化， bass和鼓變得更深沈，很多時變成了純音樂作品，即使有歌唱部分也多數是由跳舞女歌手唱的簡短句子，往往沒有明確歌詞。漸漸的，有人加入了latin(拉丁)、 reggae（瑞格源在西印度群島）、 rap(說唱）或 jazz(爵士）等元素，至八十年代後期， house衝出地下範圍，成為芝加哥、紐約及倫敦流行榜的寵兒。

r&b

r&b的全名是 rhythm & blues，一般譯作"節奏布魯斯"。廣義上， r&b可視為“黑人的流行音樂”，它源於黑人的blues音樂，是現今西行流行樂和搖滾樂的基礎，billboard雜誌曾介定 r&b為所有黑人音樂，除了 jazz和blues之外，都可列作 r&b，可見 r&b的範圍是多麼的廣泛。近年黑人音樂圈大為盛行的 hip hop和 rap都源於 r&b，並且同時保存著不少 r&b成分。

介紹

在現今歐美流行音樂的種類中，說唱樂是我們最不了解和最不願接受的風格之一。原因很簡單，它不像音樂。從我們的聽覺習慣來看，音樂要有旋律，歌聲是把語言旋律化的結果。而說唱樂恰恰不這樣，它的音樂只剩下了節奏，語言也僅僅韻律化而已。因此，不管如今歐美多麼走紅的說唱樂明星，在我們這個對旋律敏感對節奏略顯遲鈍的國家，一律都不感冒。90年代初，說唱樂在歐美風行一時，但對中國的聽眾幾乎沒有產生任何影響。1996年，美國《Spin》雜誌做過一次讀者調查，在對哪種音樂風格即將過時的一項選擇中，大部分讀者選擇了說唱樂。但誰也沒有想到，時隔不久，說唱樂再次風靡。

如果說90年代初期說唱樂的風靡是完成了從街頭走進主流的蛻變的話，那麼90年代後期的再次風靡則是從音樂風格上完成了與其它音樂的契合，說唱樂已不再是單純的風格，而是融合到更多的音樂之中，在朋克，重金屬，另類或是電子音樂中聽到說唱樂的成分已是司空見慣的事了。當說唱樂完成與其他音樂的水乳交融，當這些音樂以偶像，流行，舞曲或是其他方式出現在我們面前時，我們對說唱樂的印象開始有了一些微妙的變化，至少它給人的感覺不再是那麼難聽了。

如果尋根溯源，說唱樂與其他黑人音樂一樣，都可以上溯到黑奴時期的音樂文化。但與布魯斯，靈歌，福音音樂不同的是，說唱樂在70年代才確立明顯的風格。這一方面是由於黑人靈歌，瘋克已逐漸成為主流，並逐漸融入當時流行的迪斯科節奏。而另一方面，作為黑人文化背景的音樂，最初總是孕育在黑人聚居區，總是帶有強烈的節奏，總是最先體現在街頭文化上，總是不能登上大雅之堂---這一切促成了說唱樂的形成。實際上，說唱樂是一種最自由的音樂藝術，最能體現出黑人文化的音樂。

說唱樂在70年代末期出現，一般公認的第一首說唱歌曲是1979年的 Sugarhill Gang 的 Rappers Delight，這首歌後來影響了無數的說唱樂手。1982年，Grandmaster Flash 和 The Furious Five 錄製了一張專輯，進一步確定了說唱樂的風格。此時的說唱樂已與布魯斯，節奏與布魯斯等音樂結合得相當緊密了。這也是後來為什麼說唱樂一直被歸在R&B門類下的原因。1984年是說唱樂爆發的一年，一些獨立的小公司開始出版說唱唱片，Kurtis Blow、Run-D.M.C、The Fat Boys 和 LL Cool J 這樣的藝人開始登台亮相，這一積累一直到90年代初才產生廣泛的影響。在90年代的十年中，說唱樂無孔不入，它的特點使它能很容易與其他音樂結合，而且說唱樂在演奏，製作形式上依賴新的電子科技設備，這又與方興未艾的電子樂潮流不謀而合。這還不算，90年代掛在人們嘴邊的“後現代音樂”其實就是音樂的非音樂化，剪貼，拼接，說唱樂在過去是否是一種音樂還存在爭議，在90年代終於無可非議地找到了自己的位置。並且，由於說唱樂的活躍性使它在與其他音樂（尤其是舞曲，電子樂）不斷結合過程中逐漸模糊了自身的特點和與其他音樂之間的界線，因而今天的說唱樂人們更喜歡稱為Hip-Hop！

特點

第一，它的歌詞吸收了黑人的街頭市井民俗文化，裡面包含了大量的俚語，並且非常講究詞句與內容之間的配合技巧，每一首歌都是在講述一個有頭有尾的故事。

第二，說唱樂比較講究韻律，由於“說”很難形成旋律，因此韻律就顯得尤為重要，除了詞尾押韻之外，詞句的抑揚頓挫也相當講究。

第三，說唱樂在最初的表現形式十分簡單，只要有一台放唱機和幾張唱片即可，大部分內容是即興發揮。

第四，隨著說唱樂的普及和主流商業化，它也不斷吸收進來各種各樣的節奏和音樂風格，從而也形成了多種說唱形式和流派。

第五，說唱樂的內容比起其他類型的黑人音樂更具有爭議性，因為說唱樂的歌詞必須言之有物，它的內容觸及到方方面面，種族問題，性，暴力等內容幾乎占歌詞內容的90%，因此說唱樂常常被視為不安定因素。不少說唱樂手因此招致麻煩，輕者唱片被打上“有內容問題”的標誌，重者歌手會因此喪命。

淵源

自全世界第一張真正的Rap唱片—Sugarhill Gang的<>；在案1979年誕生以來，此一音樂形式便以極端聞名，在內容和形式上皆如此。

Greil Marcus曾說，我最生氣的事是每次看到音樂史的研究把搖滾音樂追溯到布魯斯或鄉村音樂，好像事情絕不可能從無到有。此說不無道理。與其說Rap的古老傳統可追溯至非洲移民的口述藝術淵源，不如說它是非洲裔美國人都市生活的造物。

時至今日，最地下的都市黑人藝術戰士依舊堅持在更藝術的Hip-Hop與更大眾的Rap之間有明顯的分別，但對一般觀察者而言，Rap同塗鴉，B-boy一樣，是二十世紀末都市弱勢青年以個性，創造和想象力坐大的又一樣板。

Rap成為今日美國文化中最富挑戰性的一端，是因為它稟承並發展了搖滾樂中最激進的政治姿態。朋克祖師爺Malcolm Mclaren認為：“Rap是現在唯一有意思的音樂，是黑人的Sex Pistols",其實也是看重Rap在尖銳批判美國政治政策上的直言不諱。從口誅筆伐到種族暴力，從命名《警察殺手》到揭露司法真相，從反戰怒吼到少數民族利益，Rapper們不再像爵士或搖滾的先輩們那樣以熟練的技巧贏得尊重，而是以更猛烈的聲浪造就出一個又一個席捲全社會的終極話題。其實仔細聆聽便會發現，Rap的激進政治觀念中一樣充滿混亂，比如他們引以為榮的性政治觀念中，便是一個厭女狂，性支配狂，與女性Rapper反擊對攻的熱鬧而紛亂的聲場。對一個無心顧及音樂的文化政治含義而專註於聽覺經驗的人而言，Rap其實是更無法輕視的。在以激進歌詞狂飆猛進的同時，Rap以對採樣的開發和綿密節奏的敷設為當代音樂的發展另闢天地，其極端性不在音樂之下。

儘管採樣技術最早是被搖滾樂手所應用，但是是在便宜採樣器落到了Rap製作人手中時，它才被普遍運用為一種混，切技巧，並幻化成一種樂音的鍊金術。在此一過程中，英國的Hip-hop和Rap者們作出了非凡貢獻，而其重要的原因之一，便是此地的種族關係（尤其是年輕人中）遠較美國和諧，於是採樣妖術和碎拍操縱得到的重視遠甚文字與抗議一面。至於Rap稠密的織體質地，絕無冷場的背景推進，喧嚷鬧猛的街頭之聲及活色生香的密室細語為何與會代表80年代的Reggae,Dub聲音化學或House,Tance的迷離節拍終於孕育出Hardcore銳舞狂飆或Drum'n'Bass的聽覺高潮，已經是一個人盡皆知的新時代神話。連錄音和電腦技術的演變，也從此天翻地覆。

但此一神話的最大啟示恰恰是：Rap的基本標準恆長處於流變之中，何種種族，語音和文化處境同樣並不一定會成為局限。正如Roots一類的Rapper至今仍使用真樂器Rap一樣，連最基本的技術手段也是無常的。有時候，藝術的標準是簡單而功利的：是騾子是馬拉出來遛遛，你來到，你創造，你勝利。

說話與音樂的關係，比我們已經認識到的要密切，要根本；甚至，你怎麼想象它們都不過分。20世紀音樂也包括近些年來的流行音樂，有一個相當重要的進展，便是在探討說話與音樂的關係方面。

這既是一種返祖現象，同時又包含著重新的發現。音樂最早是說話的一個產物，至少，它的一部分起源便是在那兒。所以在最古老的音樂中，我們每每會發現二者之間的令人吃驚的相似，以及在令人吃驚的相似之上的匪夷所思的表現力—其實我們不是為相似而吃驚，而是難以想象那麼初級和簡單的音樂（說話的變形）竟會那麼大地撼動我們，籠罩我們。

說話催生音樂的兩極，一極是語調，一極是節奏。在前期一個方面，我曾經作過論述。古音樂的大量樣本，足以說明語調蔓生音調，音調模仿語調的普遍性。比如很多人都知道的例子，東方的戲曲，歐洲的聖詠，更早一些，在中國的古代歌曲中（如樂府），歌的形式實際上就是朗誦的升華形式。

說話—音樂節奏上的刻意的創造，在當代最顯耀的一個方面，便是 Rap 所引發的風潮。短短20年，當年覺得它簡單或愚不可及的評論者，如今恐怕已啞口無言---如果他接觸電子樂，當代舞曲或先鋒音樂的話。但是音樂是個綜合體，如果我們綜合音樂的因素看Rap的新發展，可能永遠無法說清楚說唱的音樂價值，也無法真正地說服那些否認說話---音樂關係的頑固派。所以要談Rap的音樂價值，我們不妨把說話抽離出來單獨分析。

1.由於說話直接混入音樂，說話本身帶有節奏，這是一種不規則的，“非音樂”的准節奏除了構成難以察覺的副節奏外，它的不規則導致了無窮的微妙變化形式；就像一個規則數列遭遇一個不可預期的變數的加入，在規則不受破壞的情況下，整齊的大格局內出現了小格局的不整齊。

2.人聲是一種音色，規則的人聲設計是一種新的節奏音色，你聽過“人聲鼓”吧？Rap就是。

3.說話有各種語氣，有各種感情色彩，電影，戲劇等的對白是生活式的再現；把它放到音樂里就不同了，這成了音樂的素材，是表現式的。除了傳統的旋律，和聲，節奏，音色等音樂四要素，語氣可算第五種要素。

4.孤立的句子有令人捉摸不定的凝聚力和發散力，其張力模式一如藝術品本身。配上音樂語境的孤立的句子更甚。

5.用最開放的眼光看，音樂就是音樂，說話是聲音材料之一種。

《Play我呸》蔡依林

《美人計》 蔡依林

《大藝術家》 蔡依林

《花蝴蝶》 蔡依林

《舞娘》蔡依林

《看我七十二變》蔡依林

《玩美》蔡依林

《大丈夫》蔡依林

《特務J》 蔡依林

《七上八下》 蔡依林

《Im not yours》蔡依林/安室奈美惠

《Dr Jolin》 蔡依林

《熱冬》 蔡依林

《美杜莎》 蔡依林

《電話皇后》 蔡依林

《娘子漢》 蔡依林

《招牌動作》蔡依林

《迷幻》 蔡依林

《Mr.Q》 蔡依林

《瀟灑小姐》 蕭亞軒

《表白》 蕭亞軒

《super girl 愛無畏》 蕭亞軒

《不解釋 親吻》 蕭亞軒

《愛的主打歌》蕭亞軒

《我愛我》蕭亞軒

《WOW》蕭亞軒/羅志祥

《壞天使》 江映蓉

《把握你的美》 江映蓉

《發生秀》 江映蓉

《That girl》 張韶涵

《OK蹦》張韶涵

《王子病》 張韶涵

《講不聽》 張韶涵

《Crzay》 江映蓉

《Boys》 何潔

《明明不是angle》何潔

《Never say never》溫嵐

《扣扣》 李玟

《so carzy》李玟

『Vogue』 madonna

『Ray of Light』madonna

『Hung Up』madonna

『Music』madonna

『Celebraton』madonna

『Like A Prayer』madonna

『Give It 2 Me』madonna

『Express Yourself』madonna

『Erotica』madonna

『4 Minutes』madonna

『billie jean』 Michael Jackson

『black or white』Michael Jackson

『Thriller』 Michael Jackson

『dangerous』Michael Jackson

『beat it』Michael Jackson

『bad romance』lady gaga

『poker face』lady gaga

『born this way』lady gaga

『alejandio』lady gaga

『just dance』lady gaga

『lovegame』lady gaga

『telephone』lady gaga